En breve se van a cumplir cuatro décadas del lanzamiento de uno de los mejores discos de nuestro rock, y esto me hizo reescribir este post publicado hace tiempo.
Charly Garcia, luego del éxito que había logrado con el disco Yendo de la cama al living , y del increíble show en Ferro con efectos especiales, decide instalarse unos meses en un loft en Nueva York. Tal vez influenciado por la ciudad, la música que escuchaba allá y la buena onda que había, se compra varios instrumentos y sin querer comienza a grabar un disco. Ahí conoció a un productor ,Joe Blaney, quien lo acompañaría en varios discos y juntó músicos americanos para guitarra, batería, y saxo, junto a Pedro Aznar que puso su bajo. El disco "Clics Modernos" fue un disco adelantado a su época, que el público y la crítica no lo entendieron bien cuando apareció, en un país que venía de salir de un período oscuro y recién entraba en democracia, Charly venía con un mensaje moderno, con música de baile y con cierta polémica también. No pasó mucho tiempo hasta que todos nos dimos cuenta que Clics era un disco impresionante, de punta a punta todos sus temas se han vuelto clásicos. Hay uno en particular que elegí hoy: "No soy un extraño", donde Charly comentó en un reportaje por aquel entonces que el tema habla de la predisposición al cambio, y que la alegría no está en la repetición sino en el descubrimiento. Charly decía sobre la letra " “El personaje se termina integrando. Primero dice ‘no hay que pescar dos peces con la misma red’, como diciendo ‘no puedo usar el mismo parámetro para medir dos realidades distintas’. Después termina diciendo ‘vamos a tomar un trago, vamos a transar con eso’. Es como decir ‘bueno, soy nuevo, no conozco mucho y estoy dispuesto a aceptar algo nuevo'” La canción con su base de la máquina de ritmo, la voz suave de Charly y su letra hace que sea una infaltable cuando se revisa su gran repertorio. Una gran versión interpretada en Francés por Luciano Supervielle, virtuoso músico, productor y compositor rioplatense que nació en Francia, es impecable.
Uno de los principales artistas de nuestra música, protagonista indiscutido y referente , respetado por sus colegas, invita a un joven músico de la nueva generación del rock nacional para grabar juntos.
Hace un tiempo habíamos hablado en el blog, sobre un disco que había lanzado el gran David Lebón, con versiones de varios temas de él, convocando a distintos músicos, donde se veía a unmúsico revitalizado. Excelente guitarrista y multiinstrumentista, David fue protagonista en casi todas las décadas de nuestro rock, sea cuando tocó en las distintas bandas: Pappo's Blues, La Pesada, Pescado Rabioso , Serú Giran y en su etapa solista. Con una historia de vida interesante, hijo de madre cosaca, paracaidista y espía, quien alentó a su hijo con la música al punto de llevarlo a ver un concierto de The Beatles mientras vivían en Estados Unidos. Mucho más acá en el tiempo, un chico criado en el barrio de Saavedra, hijo de un reconocido tecladista que fue parte de la banda Spinetta Jade y otros grupos de rock nacional, comienza a tocar el piano con su abuela, una gran profesora de piano, pero el chico no soportaba la teoría del solfeo y esas cosas. La familia se va a vivir a España, decisión que no le cae para nada bien ya que no quería alejarse de sus amigos, del barrio y los afectos . Pero mientras vivían en Europa, durante largos viajes en autos y en su casa, el chico y su hermana descubren y escuchan prolongadamente bandas del rock nacional, algunas clásicas y otras mas nuevas. Como si fuera una forma de seguir relacionado con el país que habían dejado. Luego de intentar con el deporte y dejarlo por una lesión, comienza a tomar clases de guitarra con Claudio Gabis en España, y logra una conexión casi instantánea con la música. Mateo Sujatovich, el exiliado, vuelve con su familia a Argentina, con una alegría inmensa. Lo apodan "Ruso", se reconecta con sus amigos que había dejado acá, y comienza a componer, y arma una banda que llamó Conociendo a Rusia, quien trae un sonido que tiene reminiscencia y conexión directa con el rock nacional de los ochenta, con canciones con unos arreglos impecables. De tocar en lugares para cincuenta personas, en muy poco tiempo llena salas y un teatro Gran Rex como si nada. En los ochenta, luego de la separación de Serú Giran, y en los años donde se vivía la efervescencia del rock nacional previo a la llegada de la democracia, David , también apodado "Ruso" lanzó su segundo disco llamado "El tiempo es Veloz", con grandes canciones que compuso en solitario y que luego se volvieron clásicas. El viejo Ruso (David) convocó al nuevo Ruso (Mateo) para grabar juntos una de las mejores canciones de ese gran disco, "Tiempo Sin Sueños" , conectando dos generaciones de nuestra música y con muy buena aceptación. La canción será seguramente parte del nuevo disco de Lebón.
Un genio de nuestro rock , que recientemente fue homenajeado por su cumpleaños, su figura se mantiene y cruza generaciones.
Un niño criado en un hogar con todas las comodidades de una familia acomodada, escucha un sonido de una cajita musical y toma su piano de juguete y la reproduce a la perfección. Su madre lo lleva a tocar en un piano de un vecino y queda asombrada, enseguida le compra uno para su hijo que no debe tener mas de 4 años. Ese pequeño, se llama Carlos Garcia Moreno Lange, que con el tiempo se convirtió simplemente en Charly Garcia. A los trece años ya era profesor de piano, con un promedio muy alto en un conservatorio de Buenos Aires, y unos años mas tarde la rebeldía adolescente tiraba por la borda los sueños de sus padres del hijo concertista. Su inmensa capacidad compositora deslumbró a unos productores que casi por compromiso aceptaron escucharlos en un estudio musical. La "Canción Para Mi Muerte", compuesta durante su corto servicio militar donde con ayuda de un medicamento quiso provocar una reacción que le permitiera salir de ese lugar hasta esta sentirse mal, fue lo como el dijo recientemente "me llevó al estrellato en Argentina". Dueño de un oído absoluto que según la definición es "la habilidad de identificar una nota por su nombre sin la ayuda de una nota referencial" , con sus bandas como Sui Generis, Serú Giran o la Máquina de Hacer Pájaros , y su extensa carrera solita, sus declaraciones geniales y polémicas, guitarras y teclados rotos, y el salto a la pileta, Charly es tal vez la primera y última estrella de nuestro rock. En el blog hemos repasado algunas de sus composiciones geniales, y hacer una selección es difícil. En vez de eso les dejo una lista de setenta canciones, una por cada año de vida. Say No More.
Un músico de nuestro país que tocó con todos, emblema de muchas bandas ,un símbolo del rock, reconocido por sus pares, en su madurez logra reinventarse.
Su historia tanto musical como personal es muy interesante. Su madre rusa cosaca, se había convertido en paracaidista y espía, luego que su primer marido inglés aviador nunca había regresado de una misión. Nacido en Argentina de padre vasco-francés , David Lebón emigró a los ocho años a Estados Unidos. La madre muy atenta a las inquietudes musicales del niño lo llevó a ver a The Beatles al Shea Stadium en la segunda presentación que hizo el grupo en esas tierras. De regreso a la Argentina a fines de los setenta se encontró con el mismo espíritu de juventud rebelde que había visto en el país del norte. De frecuentar lugares donde comenzaba a gestarse el rock de nuestro país, conoció a Pappo y fue parte de Pappo's Blues y luego con Billy Bond y la Pesada del Rock and Roll. Mas tarde fue bajista y guitarrista en Pescado Rabioso, con Luis Alberto Spinetta. Tocó en un álbum de Sui Generis, formó el trio Polifemo , hasta que con Charly García se fueron a Brasil , junto con Aznar y Moro para formar la banda Serú Giran , tal vez el grupo más importante de la historia del rock nacional. Cuando la banda se separa a principio de los ochenta inició su carrera solista lanzando más de catorce discos. En los últimos años David, es un sobreviviente y rejuvenecido exponente del rock. Dejó atrás las drogas y el alcohol, volvió a entrenar su voz (parcialmente dañada por el tabaco), y se juntó con jóvenes músicos y otros que o han acompañado en su extensa carrera. Eximio guitarrista, considerado uno de los mejores de nuestro país, aunque toca todos los instrumentos, sacó un discos llamado "Lebon &Co" con músicos invitados, donde reversiona temas de su autoría. El disco fue reconocido por la crítica y reciente ganador del premio "Carlos Gardel" a “Grabación del año”, “Productor del año”, “Mejor álbum artista de rock”, “Ingeniería de grabación” y “Mejor canción dueto /colaboración”. Escuchemos algunas canciones del gran David!
A seis años de la desaparición física de un músico enorme, la modernidad de sus canciones siguen asombrando.
Cuando uno escucha muchas de las canciones de Gustavo Cerati, suenan "atemporales" , y es difícil saber si fueron compuestas hace un año o más de veinticinco años atrás como varias de las que escucharemos hoy. En el disco "Colores Santos" que fue lanzado con su amigo Daniel Melero mientras estaba en Soda, con el que tenía mucha afinidad los hits "Vuelta por el Universo" , "Hoy Ya No Soy Yo" además de "Cozumel" muestran claramente la visión moderna de Gustavo. El mismo comentó que fue un disco que "le abrió la cabeza". En "Amor Amarillo" , su primer disco solista de verdad aún estando en Soda, de destacan "Pulsar" (del que ya hablamos antes en este blog), "Avenida Alcorta" , "Torteval". Según Gustavo " di disco puede estar sonando ahí, uno puede estar haciendo cualquier otra cosa y no necesariamene te invade". En Soda Stereo, el disco más representativo de lo moderno y visionario que fue Gustavo , se plasmó en el disco "Dynamo" que hablamos aquí En "Bocanada" , el primero post-Soda, un disco donde hay un setenta por ciento de composición sobre instrumentos digitales que permiten samplear instrumentos y voces, "Rio Babel", "Beatiful" y "Paseo Inmoral" son los elegidos. "Ahi Vamos" un disco para escuchar a todo volúmen donde prevalece un sonido más rockero, " Otra Piel" y "Me quedo aquí" fueron compuestos inicialmente en su computadora. En su último disco "Fuerza Natural", Gustavo decía " por momentos es rockero y en otras es folk, hay campo, hay cosmos , hay psicodelia, así como algunas cosas infantiles". Los temas "Deja Vu", "Magia" y "Rapto" tal vez tengan un poco de cada uno .
Treinta años atrás, el grupo de nuestro país más exitoso en latinoamérica, inicia la grabación de su disco más emblemático en un año particular.
Arrancaba la última década del siglo XX, el país venía de una hiperinflación tremenda y se avecinaban años de cambios en todo sentido. Coincidentemente el primer disco de Soda Stereo en los noventa tenía un estilo totalmente diferente a los anteriores. Luego de lograr un sueño de grabar en New York el disco "Doble Vida" y el éxito y la proyección que tuvieron, su líder comenzó a componer y dejar plasmado en un estudio portable sus primeros demos del nuevo disco. Habían cambiado de productor, y la compañía discográfica tenía un acuerdo con el famoso estudio de grabación Criteria Recordin Studio de Miami. En Junio de ese año, la banda se instaló en un condominio en North Beach y pasaron mas de un mes dando forma al disco. Con un sonido mas rockero, donde abundan los riffs de guitarras, con guiños al rock nacional de los setenta , y músicos convocados que acompañaron la gira y otros que colaboraron en el disco como Pedro Aznar, se plasmó el álbum "Canción Animal". De un grupo de doce canciones, quedaron diez, y como el el mismo Zeta decía "es un disco muy variado y uniforme", Más allá de los himnos como "Música Ligera" , "En el Septimo día", "Un MIllón De Años Luz" , el disco entero no tiene una canción que haya sido de relleno. Un rock rabioso por momentos y puro. Andrea Alvarez, percusionista y corista de la banda lo sintetiza muy bien "Es muy orgánico, muy sexy, muy rockero. Es moderno tocando la raíz. Es genial, sin vueltas". Cerati decía "Pude incorporar elementos que son como citas a la música que uno siente, y que no tiene tanto que ver con las épocas, por lo menos no de una forma tan consciente. Entonces hay temas que rompen con la manera en que yo componía". El disco salió a la venta el 7 de Agosto de 1990, y en Octubre arrancó la llamada "Gira Animal" por treinta ciudades de Argentina, siguiendo por latinoamérica. Ese año, 1990, Soda lo iniciaba tocando casi como un colado en la presentación con Tears For Fears en el estadio de Velez, en una noche lluviosa donde fueron locales y tuvieron todo el apoyo del público. Ese fue tal vez fue la motivación de lo que venía después: el Año Animal!
Un músico consagrado en su tercer disco solista cuenta con la contribución de uno de los más grandes del rock nacional.
Casi al mismo momento en Argentina colapsaba económicamente en el año dos mil uno, Gustavo Cerati se encontraba grabando su tercer disco (el segundo luego de la separación de Soda Stereo). Luego de "Bocanada" Gustavo había armado una banda , y como él lo había anticipado sería más rockero y con muchas guitarras. Con canciones pop, algunas que sonaban como Soda, otras con bombos y un estilo folclórico, Gustavo invitó a varios músicos a participar de su nuevo emprendimiento. Con Charly Garcia, tenían una relación bastante cercana y de varios años. El había participado en distintas presentaciones de Charly en vivo dentro y fuera del pais y Gustavo pensó a modo de retribución convocarlo. Hubo dos canciones que Gustavo las compuso pensando en lo que Charly iba a aportar como pianista . Como dijo Gustavo "yo lo llamé para que tocara lo que tuviera ganas . Casi no tuve necesidad de decirle lo que quería" . Pasaron un día en el estudio y Charly tocó el piano y el Rhodes (piano eléctrico) en las canciones "Sudestada" y "Vivo". Si bien cada uno puede hacer la interpretación que quiera de "Sudestada" , la atmósfera generada junto al piano de Charly y las metáforas para asociar este fenómeno muy común en Buenos Aires con su río y las situaciones personales , hacen de esta una canción increíble. El disco "Siempre es hoy",iba a ser doble, contaba con diecisiete temas, iba a ser doble pero por la crisis , se decidió que condensara en un sólo disco, que fue recibido por la crítica con opiniones dispares , pero que contiene varios de los mejores temas que haya compuesto Gustavo. Para este post utilicé textos del muy buen libro "Cerati en primera persona" de Maitena Aboitiz.
Un artista consagrado que desarma su banda y en su disco solista su canción más exitosa habla del regreso a ese amor luego de varias desaveniencias.
En menos de dos años , a fines de los ochenta , Luis Alberto Spinetta con su banda había sacado tres discos, dos de ellos en estudio ("Tester de Violencia" y "Don Lucero" ) y un destacado en vivo ("Exactas"). Fueron reconocido por la a crítica y el público. A lo largo de su carrera, el flaco fue una persona que hizo cambios de estilos y bandas, y durante esa década había arrancado con la vuelta de Almendra, pasando por Jade el jazz fusión, luego las máquinas y al pop, y tal vez por esa búsqueda constante de nuevos sonidos, decidió desarmar la banda a principio de los noventa. Después de un período de idas y vueltas con su esposa, incluyendo meses de separación donde Luis comentó en más de una oportunidad que vivió un tiempo en su estudio de grabación, sumado al nacimiento de su hija Vera, hizo que Luis se refugiara y dedicara tiempo a su familia. En ese contexto saca un nuevo disco solista llamado "Peluson of Milk" , y el primer tema del disco se llama "Seguir viviendo sin tu amor", que arranca con un riff de guitarra distorsionada. Su letra directamente hacer referencia a su relación con su esposa, con los encuentros y desencuentros y las ganas de volver atrás para recuperar el amor por ella. La canción fue un éxito, la crítica la seleccionó como mejor canción del año en 1991 , así también como el disco, y se podría decir que es la canción más pop de Spinetta, sonó y suena en las radios y a los músicos consagrados y no tanto les encanta y han hecho varias versiones. Acá una de Aznar y otra de Catupecu.
El disco más logrado y el último con la voz, presencia y carisma de su líder que influyó en el rock Argentino.
A principio de los ochenta, cuando ya era inminente la vuelta de la democracia, en nuestro país comenzó a sonar un tipo de música distinta, descontracturada, con letras irónicas y que invitaba a bailar. La banda que inició este camino fue Virus. El grupo platense estaba formado principalmente por los hermanos Moura, con Federico como la voz y líder de la banda. La forma de cantar, sus movimientos en el escenario, La estética y las letras hacían de Virus un grupo que llamaba la atención. Resistidos al principio por el nucleo "duro" de los oyentes del rock, las primeras apariciones en festivales de rock, no fueron del todo bien recibidas, pero Federico les decía a sus compañeros que eso demostraba que algo estaba pasando con la banda, que era una señal positiva. Con el disco "Agujero Interior" , la banda comenzó a escucharse masivamente, con apariciones en la televisión y mucha difusión en las radios. La voz de Federico fue cambiando, las letras también, mas sensuales, y provocación. "Relax" y "Locura" fueron discos que consolidaron e instalaron a la banda en un lugar de privilegio del rock, y la banda se expandió a otros paises de latinoamérica. Cansados de las giras, se tomaron un respiro y se instalaron en Río de Janeiro a grabar su nuevo álbum. Se sabía que Federico estaba enfermo, pero eran rumores. Luego se confirmó que estaba infectado de HIV, a pesar de su estado, la banda siguió adelante con la grabación y Federico hizo un esfuerzo mayúsculo para cantar. Muchas veces pedía que lo dejaran solo mientras cantaba las canciones en el estudio. El disco, el séptimo de la banda, se llamó "Superficies de Placer" y desde el arte de la tapa , hasta el sonido y varias letras eróticas presagiaban que el disco iba a generar alguna polémica. Si bien no fue el más exitoso de la banda, la crítica y muchos músicos lo consideran el mejor de todos. Luego del lanzamiento, hubo presentaciones en vivo en estadios, teatros y en programas de televisión. Federico pudo disfrutar su última obra con la banda , que a treinta años de su aparición sigue seduciendo.
Un concierto que fue histórico, por su magnitud, por lo que representaba la banda y por lo que quedó de ese evento de despedida, que no fue definitiva.
Recuerdo exactamente los titulares de los diarios y las notas en los escasos portales de internet que existían , el día después del llamado último concierto de Soda Stereo. Hace unos días se cumplieron veinte años de ese recital que cerró una etapa en la banda más exitosa del rock de latinoamérica. En Mayo de 1997 , Gustavo Cerati había publicado una carta abierta donde compartía la tristeza que generaba la noticia de la separacion, y tambien decía "Cortar por lo sano es, hacer valer nuestra ssalud mental por sobre todo y también el respeto hacia todos nuestros fans que nos siguieron por tanto tiempo". La banda había iniciado la gira despedida por toda latinoamérica ese año y quería cerrar en Buenos Aires , y River fue el lugar elegido. Soda siempre se caracterizó por hacer las cosas bien y ser innovadores, los equipos de sonidos llegaron a doscientos mil watts de potencia, el escenario era de veinte metros, con mas de trescientos equipos de iluminación y pantallas gigantes de video en vivo. Gustavo vivía a cuatro cuadras del estadio, la noche anterior había dormido muy poco y contó que desde la mañana la cola de ente llegaba hasta certa de su casa, y le llamaba la atención que todo eso estaba siendo provocado por ellos mismos, y que unas horas mas tarde el estaría tocando para todo ese público. Hasta tuvo la fantasía de ir caminando al estadio y pasar enfrente de todos ellos, cosa que no ocurrió. El clima tanto festivo como meteorológico, jugaron a favor para que todo fuera una fiesta y ya avanzada la noche la banda salió en escena arrancando con "La ciudad de la furia". Zeta Bosio comentó las cosas que se le pasaban por la cabeza, "nunca más voy a tocar el bajo con esta banda" y Charly Alberti estuvo tenso durante las primeras canciones hasta que se relajó y disfrutó muchísimo el recital. Este concierto además de ser filmado , fue transmitido por streaming en Internet, diría que fue el primer evento masivo reproducido por más de doscientos mil personas usando esa tecnología. Por esos años la banda ancha era muy limitada. Al final de la última canción "De música ligera" Gustavo quería agradecer y por no poder enumerar a todas las personas que los acompañaron dijo la frase que quedó en la historia: "No solo no hubiéramos sido nada sin ustedes , sino con toda la gente que estuvo a nuestro alrededor desde el comienzo... Algunos siguen hasta hoy. GRACIAS TOTALES!" El comentó "es genial cómo una frase así, queda, la cantidad de veces que la escucho utilizada para cualquier boludez es fabuloso. Se convirtió en un eslogan" (del libro de Maitena Aiboitiz - Cerati en primera persona). Diez años después de ese recital, Soda volvía a juntarse para volver a tocar.
El disco de regreso de la banda aque conquistó todo Latinoamerica, viene con algo prestado y un video muy famoso.
A tres años del lanzamiento de su último disco, Dynamo, un adelantado y con plena vigencia, después de romper con la discográfica anterior, y habiendo triunfado en nuestro país y el resto de Latinoamerica, Soda Stereo con un nuevo sello se sumerge a los estudios a grabar su séptimo álbum de estudio. Con mucha energía y planificación, grabaron la primera etapa en dos estudios enBuenos Aires, y luego viajaron a Londres para finalizar los arreglos, las mezclas y la incorporación de las voces. Sumaron a un ingeniero de sonido que había trabajado con grupos importantes como INXS. Diciesiete años antes, el grupo Kiss hacía un parate y sus miembros se embarcaban en proyectos solistas. El guitarrista de la banda en ese entonces Ace Fehley grababa su primer disco solo, una de las canciones que incluyó y que tuvo mucho éxito fue una vesión de "New York Groove" de la banda inglesa Hello, compuesta por Russ Ballard. Gustavo Cerati, con recuerdos de esa canción que escuchaba antes de ser músico, tomo el riff de las guitarras y la base de la bateria, en la canción "Zoom" que fue una de las canciones que se tomó como difusión del disco, y tal vez el mayor éxito. Con una letra que habla metaforicamente de deseos y fantasias. Soda Stereo, siempre tuvo ideas originales , y para la grabación del video convocaron a su club de fan llamado "Club de la furia" al planetario de Buenos Aires Galileo Galilei una sábado sin anticipar de que se trataba. Con una selección de parejas y jóvenes, grabaron el video de "Zoom" , que tal vez sea su video muy famoso y un poco groove.
Un nuevo disco de un símbolo del rock nacional que es acompañado por una de sus mejores bandas es presentado en una extensa gira con un paso exitoso por New York.
A principio del último año de la década del ochenta, aparecía el quinto álbum solista de Charly Garcia. Con una tapa colorida, con unestilo retro y la foto de una mujer, el álbum "Como conseguir chicas" llamaba la atención antes de escucharlo. Charly juntó canciones sueltas, algunas que no habían entrado en discos anteriores y otras que había compuesto recientemente y se sumergió a grabarlas. Pero a diferencia del disco anterior ("Parte de la religión") convocó a Garcia Lopez, Samalea,Lupano, Von Quintiero y otros invitados de lujo para ser parte de su banda. Originalmente quería grabar el disco en Inglés y el productor estadounidense Joe Blaney (que había producido discos de The Clash) lo convenció para que sea en español. En el disco Charly invitó a algunos amigos para cantar o tocar instrumentos: el cantante de Os Paralamas do Suceso cantó el maravilloso tema "Zocacola" dedicada Zoca, que era la mujer brasilera de Charly desde hacía varios años. También unos meses el había tocado en el festival de Amnesty International en Buenos Aires y había conocido al violinista de Peter Gabriel, con quien se hicieron amigos y lo invitó a tocar en el disco en el tema "No me verás en el subte". La canción "A punto de caer" es una composición que hizo con Fabi Cantilo quien la canta con el. Charly y su banda salieron de gira por latinoamerica y cuando llegó a New York con el propósito de pasear, y recibió la invitación de hacer un recital en un espacio multimedia que antiguamente era una casa funeraria , lo organizaron, pegaron carteles en la calle y a los tres días estaban tocando en la zona del Soho. Las presentaciones tuvieron buenas críticas y Charly aprovechó para grabar el video de "Fanky" en lugares típicos de esa ciudad. Comenzando una nueva década, Charly luego de la gira estaba efusivo y vislumbraba un futuro prometedor, su próximo disco así lo confirmaría, aunque eso es otra historia. Disfrutemos de estas canciones y el testimonio con un toque de Charly al finalizar la gira.
Dos grandes músicos de nuestro rock que se juntan para componer un disco que nunca sale a la luz, pero quedó una de sus canciones y una historia de un accidente en llamas.
Charly Garcia con el disco "Clics Modernos" había realizado un cambio en su estilo, e instalado un nuevo sonido en rock nacional, y continuando en esa senda, se juntó con Luis Alberto Spinetta para encarar un proyecto juntos. Se admiraban mutuamente, y tenían la misma idea del estilo de música que querían hacer en esos años. Se juntaban todas las tardes y pasaban largas horas componiendo, masas de una confitería famosa y vino de por medio. Cada uno tenía algunas canciones que habían escrito separadamente pero hubo una compuesta por ambos que se llamó "Rezo por vos". Mientras trabajaban juntos, su vida personal, ambos, vivían realidades totalmente distintas, Mientras Spinetta tenía su familia y sus hijos aún pequeños para atender y precisaba ser ordenado en los horarios , Garcia pasaba días y noches sin dormir, en un descontrol permanente. Un día fueron convocados para tocar en programa de televisión que sería grabado, y comenzaron cantando "Rezo por vos" , pero fueron interrumpidos por un asistente ya que Charly tenía una llamada urgente. El mensaje era que su casa se estaba incendiando. Spinetta hizo una broma diciendo que la culpa la tenía el ya que la canción dice en una estrofa "y quemé las cortinas y me encendí de amor", y Charly se enojó y tiró un cenicero en el estudio de televisión. Corrió a su casa y al llegar encontró la casa llena de agua y que le habían robado veinte mil dólares. Hizo que los bomberos se sacaran la ropa para revisarlos, pero no recuperó ese dinero. Charly había conectado la tele, la video y la estufa eléctrica a un triple y eso provocó el incendio. Ese hecho, además de las diferencias en los estilos de vida, influyó en el proyecto que quedó trunco. A pesar que llegaron a grabar varios temas pero sólo se editó "Rezo por vos" , que salió en un disco compilado de Charly, también Spinetta incluyó otra versión en su disco "Privé" y Charly hizo lo mismo en "Parte de la religión". En el último recital de Spinetta, el invitó a Charly a tocar la canción juntos.
A un año de su desaparición, vamos a escuchar algunas canciones de un disco que marca el regreso a los sonidos amplificados de guitarras, a tocar con amigos y de alguna manera volver a un estilo más parecido a la banda más exitosa de latinoamérica.
Gustavo Cerati, desde que comenzó su carrera solista luego de la separación de Soda Stereo, fue mirado con lupa en cada movimiento que hacía. Sus fans y la crítica estaban pendiente de lo que el músico componía , y la recepción de sus discos tuvo comentarios dispares. Gustavo siempre, aún en la época de Soda, se interesó por lo nuevo, y no por casualidad la banda fue pionera en muchos sentidos. Desde el disco Bocanada, había una tendencia al uso de computadoras, samplers y música electrónica. Hubo un nuevo público que escuchaba a Cerati, pero varios de sus fans se preguntaban que había pasado con las guitarras y aquellas canciones rockeras de Soda. Ya en el último tramo de la gira del disco Siempre es Hoy, se veía una actitud mas rockera, y en el disco posterior "Ahí vamos" , usó menos la tecnología, y mucho más las guitarras. Convocó a sus amigos de la época de Fricción (Coleman, Samalea) y en todo el disco el decidió levantar los tempos, que no es otra cosa que acelerar las canciones, obtener un sonido más aguerrido de entrada y también le dio más potencia a las guitarras. El disco fue el reencuentro con su público de antaño, la crítica fue excelente, y lo siguió una extensa gira por toda América (incluyendo un recital en el Central Park de New York) y también España y Londres. La palabra de Gustavo de algunos temas del disco. - La Excepción: "La aceleración fue de 0-100, fue de la nada ..Estábamos en el estudio, marqué 4 y comencé a tocar la guitarra como si fuera 'De música ligera' , algo así muy parecido...Después vino la parte de la letra" - Uno entre mil: "Es un tema que tiene una batería muy poderosa" - Me quedo aquí o Tsunami: "es la representación de lo que pasó con ese tsunami en Indonesia.Sentí que en ese año se movieron muchas cosas y me puse en la piel de aquel que estaba en New Orleans o en Santa Fe: le llega el agua y se queda ahí porque ¿adonde va a ir? (estos testimonios fueron extraídos del libro "Cerati en primera persona", maravilloso libro de Maitena Aboitiz ). Escuchemos esto a todo volúmen.
La banda más importante de rock de un país vecino, muy querida por los referentes de nuestro rock, versionan muy bien canciones de dos grandes.
La bandabrasilera Os Paralamas do Sucesso se formó a principio de los ochenta como un trío de amigos que estaban cursando la universidad, y que de repente pasaron de tocar para cinco mil personas a doscientos cincuenta mil en rock in Rio en 1985. Un año mas tarde visitaron Argentina y en Chateau Rock de Cordoba sonaron por primera vez y ahí nació una relación con músicos de nuestro país y también a ser reconocidos por el público local. La banda invitó a Fito Paez a una gira por Brasil, quien aceptó , y fue durante ese período donde le comunicaron a Fito la terrible noticia del asesinato de su abuela, su tía y la empleada doméstica de ellas. Ahí Fito cancela los shows planeados y regresa a la ciudad. Hubo todo un show mediático y rumores de todo tipo. Luego de semejante dolor y tragedia, el manager sugirió a Fito tomarse unas vacaciones y viajar a Tahiti . Fue ahí donde compuso el disco "Ciudad de Pobres Corazones" con letras oscuras y muy influenciado por el acontecimiento que le tocó vivir. Uno de los temas más representativo de ese sucedo fue "Track-Track". Os Paralamas tomaron ese tema y crearon una versión mucho menos triste usando la misma letra y con con un ritmo más veloz. Casi en el mismo período Charly Garcia se encontró en Nueva York con Pedro Aznar, los unía una amistad y el haber tocado juntos en Serú Giran. Se juntaron a tocar, y componer y el resultado fue un mini-disco de seis temas llamado "Tango 1" (luego vendría "Tango 4" que hablamos en otro post). Uno de los temas de ese disco fue "Hablando a tu corazón" , un tema entrañable dentro de la discografia de Charly, quien comentó que le gustaba trabajar con Pedro, pero que cuando tocaba sus temas, tenía que leer doscientos mil acordes por segundo. También Os Paralamas, versionaron maravillosamente "Hablando a tu corazón" Escuchemos estos dos temas y sus versiones. Un músico cuya canción se volvió un hit, suena en todas partes, pero al escucharla en un ambiente relajado siente curiosidad y sucede algo inesperado. En esa primavera post Malvinas de nuestro Rock Nacional, comienzan a aparecer nuevas bandas, con estilos y letras diferentes a las de protesta. Hubo un movimiento new wave, y uno de esos grupos era Sueter. Para aquella época era una cosa rara, habían sacado su primer disco en el '81 y venían tocando en pubs y reductos pequeños hasta que Charly Garcia los invitó a ser su banda soporte en el histórico recital de Ferro de diciembre del '82 , que con veinticincomil personas fue por entonces el primer artista de rock argentino en tocar en una cancha. En ese recital se dieron a conocer y cierta parte del público no los recibió muy bien. El grupo liderado por Miguel Zavaleta, tenía buenos músicos y sacó un segundo disco llamado "Lluvia de Gallinas", que sonaba muy bien y desde el primero al último tema uno percibía la onda que tenía la banda. Uno de los temas de ese disco fue "Amanece en la ruta" que fue el éxito indiscutible del disco. Una canción bárbara, con una buena base y letra. Mucha gente especuló durante varios años que la canción hablaba de la propia muerte del compositor, pero luego Miguel aclaró que el tema estaba dedicado a su primo que había fallecido en una accidente de tránsito y que él utiliza de cierta manera lo que cuentan las personas que estuvieron clínicamente muertos y sobrevivieron. Miguel, que es un persona muy querida y reconocida en el ambiente del rock, aunque para muchos su cara no sea familiar, tiene varias historias que le sucedieron con este tema. Una vez estaba en la playa y había unos chicos en un fogón cantando "Amanece en la ruta" y el tipo se unió al grupo y se puso a cantar , sin que ellos se dieran cuenta que él era quien la había compuesto. Otra noche, iba caminando también por la playa, según él en un estado volátil, y ve un lugar totalmente vidriado que le llamó la atención, con gente cantando y gritando. Como había mucho viento decidió entrar y en ese momento la persona que estaba en el escenario dice : "ahora voy hacer una canción de Miguel Zavaleta... que está ahí en la puerta!" y todos se dieron vuelta para mirarlo ante su asombro. Sueter continuó con altibajos y cambio de formaciones, editando varios discos hasta el 2007 , y Miguel siguió con su carrera solista. Escuchemos esta canción, que fue versionada por Fabi Cantilo, y otra de Sueter (con Calamaro incluído), que la cantó también una artista chilena.
Desde que se conoció la noticia de la ida de Gustavo Cerati, infinidad de anécdotas historias, canciones, imágenes han sido diseminadas por todos los medios.
Un músico que vengo escuchando desde que tenía catorce años por todos sus bandas, y sus canciones remiten a distintos momentos de mi vida y seguramente a ustedes les pasará lo mismo. Gustavo fue una estrella del rock en todo sentido, lo que hacía lo hacía con pasión y siempre resaltaba la honestidad hacia su público. Ante la pregunta del periodista sobre que todos sus trabajos habían sido excelentes y uno superaba al anterior, el decía que por más que algo no sea suficientemente bueno lo importante es estar orgulloso de lo que se hace y hacerlo bien y no porque sí. Otro punto que resalto es que nunca habló mal ,ni polemizó con nadie. Todas sus declaraciones rondaban alrededor de la música y lo artístico. Tenía cincuenta y cinco años, y justamente seleccioné dos canciones por cada año de vida,para disfrutarlo y un resumen de varios post que publiqué aquí. Gustavo... gracias totales!
Una banda con excelentes músicos que propone algo distinto es vapuleada en sus comienzos y muy poco tiempo se vuelve uno de los mejores grupos de nuestro rock.
Hace treinta y seis años debutaba en vivo Serú Giran. La idea del grupo había sido de Charly Garcia, que luego de su paso por la Máquina de Hacer Pájaros, invitó a David Lebon y Oscar Moro a ir a Brasil y comenzar a componer. Se instalaron en Buzios, con sus familias. Charly había visto en vivo tocar jazz a Pedro Aznar que tenía diecisiete años en un pub de Buenos Aires, quedó sorprendido y lo convocó para que se uniera. Frente al mar, en un ambiente relajado, pescando, fumando y alejados de la vorágine de la gran ciudad, compusieron su primer disco que fue grabado en San Pablo y finalizado en Estados Unidos, toda una novedad para esos años. El disco llamado "Serú Girán", si bien tenía comentarios elogiosos de la crítica especializada, no convencía al público y su primera presentación fue un desastre. El sonido no fue el mejor y la gente no entendía el mensaje, a partir de ahí comenzaron las críticas y cierta campaña periodística de desprestigio especialmente contra Charly. El segundo disco de Serú, "La Grasa De Las Capitales" sonaba distinto y la tapa del disco fue dedicada a los que los criticaban y lo que Charly veía de la sociedad en ese momento luego de volver de Brasil. Charly dijo que había sido su idea, y textualmente comentó : " Estaba podrido de todas esas revistas tipo Gente, que eran tan caretas. Habíamos compuesto ese disco para ir al choque directamente. Había que salir de la grasa, de la mediocridad", por eso el título del disco. Lo que vino después es conocido: múltiples premios (mejor disco, mejor grupo, etc,), cuatro discos en estudio, dos en vivo, conciertos memorables, sólo en cuatro años, y fundamentalmente ser una de las mejores y más emblemáticas bandas del rock nacional. Serú desplegaba una energía y sonído único en sus shows en vivo. Uno de los más recordados fue el de los shows en el teatro Coliseo que quedó registrado en un disco editado recién en el año 2000. El primer disco "Serú Girán", fue reivindicado y valorado como se merecía, contiene temas memorables como "Eiti Leda" y "Seminare", que vamos a escuchar ahora junto con "La grasa de las capitales" Tendremos en el blog muchos más temas e historias de Serú, incluída su vuelta en el '92, para disfrutar en otras publicaciones. Para una voz que se encuentra en silencio desde hace cuatro años, tal vez uno lo que puede hacer es remitirse a sus letras, su voz y sus canciones, para que esa voz no se extrañe tanto. Gustavo Cerati es un músico brillante, admirado por sus colegas, aclamado por la crítica y con éxito en todo lo que emprendió, desde Soda Stereo hasta su etapa solista, lo escénico, el arte y lo estrictamente musical siempre estuvo muy cuidado y prolijo. Su primer disco solista luego de la separación de Soda Stereo, llamado "Bocanada" tuvo la originalidad y creatividad que lo hicieron un éxito y ser reconocido por toda la crítica. En una entrevista que ví hace poco de la presentación del disco en Chile, muy relajado el comentaba que el disco eran simplemente canciones que a través no solamente de las letras, sino de la música iban describiendo momentos de imágenes. Su nombre tenía que ver con una bocanada de aire fresco, aunque también se lo podía asociar , como el propio Gustavo dijo, al hecho que él era un fumador y que en algún momento iba a dejar de fumar o quedaría marcado su destino con el humo. Este disco tiene quince temas y uno de sus temas "Verbo Carne" fue grabado en los estudios Abbey Road, con cuartenta y ocho músicos de la London Session Orchestra. El comentó que disfrutó muchísimo ese momento y de alguna manera sirvió de inspiración para hacer algo nunca realizado en la historia del rock argentino: hacer canciones de rock interpretadas por una orquesta sinfónica. Ahí vino el disco "11 Episodios Sinfónicos" grabado en el teatro Avenida con cuarenta y dos músicos, dirigidos por Alejandro Teran. Violines, oboes, violoncellos sonando para las canciones de Gustavo. Es un disco para todos los que aman la música. Podríamos seguir con el resto de los discos de Gustavo, o volver a la etapa de Soda , o contar más anécdotas, pero mientras su corazón sigue latiendo escuchemos algunas de sus canciones. |
Acerca del blog
Versiones es el blog de Juan Cabral, donde escribo sobre música ya que siempre sentí curiosidad por los distintos modos de cantar o tocar una misma canción. Clásicos del jazz, rock ,del pop e inclusive tangos, vuelven a versionarse y muchas veces superan el original. Claro... que todo tiene que ver con el gusto individual, donde la subjetividad, estado de ánimo, recuerdos y lugares son los que influencian para elegir una u otra. La idea es ir compartiendo lo que fui descubriendo y escuchando .... al menos una vez por semana Archivo
Abril 2024
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